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Exposiciones Internacionales

Seis artistas venezolanos toman los espacios del Clôitre des Billetes de París
Bajo la curaduría de Karim Borjas

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Las propuestas creativas de seis artistas venezolanos se exhiben actualmente en los espacios medievales del Clôitre des Billetes, en París, con una exposición titulada L’Atemporel. Dialectique de l’image (Atemporal, Dialéctica de la Imagen).

La muestra reúne una serie de instalaciones como punto de partida y unión entre los artistas, que toman el espacio de exhibición como el marco de la estructura creativa de cada obra, según explica el curador de la exposición, Karim Borjas, quien también participa como expositor en el proyecto, junto a Mery Godigna Collet, Clemencia Labin, Annette Turrillo, Carlos Marcano y Pedro Morales.

«Decidimos orientar nuestra propuesta hacia una visión del espacio, el espacio como lugar de encuentro, donde surge la idea de hacer o desarrollar una propuesta homogénea donde el contenido plástico e intelectual de cada uno se une en una sola lectura amplia, preservando el carácter individual en un contexto colectivo, que no busca solo el esteticismo, sino un espacio abierto e interpretativo”, indica Borjas.

Instalación del artista Karim Borjas y curador de la muestra. 

De acuerdo a la investigadora, crítico y curadora de arte, Katherine Chacón, las piezas exhibidas «actualizan narrativas diversas que abarcan lo ecológico, la pervivencia de la violencia, la interioridad del ser humano, y exploraciones en torno a la belleza de la geometría, o la libertad estética y su relación con el disfrute”.

En tal sentido, explica que la instalación de Mery Godigna Collet, titulada La Boucherie, consiste en dos filas paralelas de paños de tela roja colgados al techo con ganchos de carnicería, y da paso a una potente metáfora donde las sutiles gasas reanudan su vínculo con la sangre y las formas colgantes recuerdan reses desolladas.

La obra Piñatas y Truncas de Clemencia Labin, son unos volúmenes acolchados verticales que sorprenden por su originalidad y su desenfadada sensualidad y dan paso a lo fantasioso y al humor, como si fueran personajes con vida propia, según palabras de Chacón. “Con ellas, Labin revisita lo artesanal, el hacer femenino, la belleza y el placer creativo, desenvolviéndose dentro de las reconsideraciones contemporáneas sobre la abstracción, la pintura y la escultura”.

Artista Mery Godigna Collet.

Artista Clemencia Labin

Artista Annette Turrillo.

En el caso de Annette Turrillo, la curadora destaca el carácter poético de su obra Detrás del silencio, en la que recurre a la delicadeza del tejido de algodón para recrear plásticamente sus reflexiones en torno a la tesitura de la interioridad humana, como un espacio donde se manifiesta lo femenino arquetipal, evocado en la instalación por los camisones translúcidos que cuelgan delicadamente en el espacio y los zapatos de tacón que los acompañan.

Naiguatá o La historia del olvido. Latitud 66.7333333 – Longitud 10.6166667 de Karim Borjas, se inscribe dentro de las indagaciones que viene realizando el artista en torno a la ecología, el impacto de las sociedades urbanas sobre la naturaleza y la sustentabilidad del planeta. Tomando como punto de partida fotografías de objetos hallados en el poblado venezolano de Naiguatá durante los deslaves ocurridos en 1999, Borjas crea un entramado visual donde el desecho cobra preponderancia.

En cuanto a la instalación Ciudades imaginarias de Carlos Marcano, Chacón señala que se enfoca hacia la agresión contra la naturaleza que supone la cultura del desecho y la contaminación, y está conformada por monotipos elaborados a través de la estampación de texturas de materiales de desecho, en los cuales el artista crea con superposiciones, cortes y dobleces del papel, un paisaje urbano surgido de sus propios desperdicios.

Artista Carlos Marcano. 

Artista Pedro Morales.

La investigadora concluye la descripción de la muestra con la pieza De la serie Escutoide de Pedro Morales, la cual “se basa en la fascinación que el artista siente por la belleza de la geometría y, particularmente, por una forma geométrica tridimensional denominada Escutoide, recientemente descrita a partir de observaciones biológicas. Morales se vale del lenguaje geométrico y del contraste de blancos y negros para explorar las posibilidades plásticas de este ‘nuevo’ polígono como forma y como volumen que interactúa en el espacio”.

La exposición L’Atemporel. Dialectique de l’image se estará exhibiendo hasta mediados de febrero de 2020 en los espacios del Clôitre des Billetes, ubicado en 24 rue des Archives, 75004 París, Francia.

Nota de prensa

 

 

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Exposiciones Internacionales

La ceramista venezolana Elsa Esté expone su más reciente propuesta en Miami-Florida
En los espacios expositivos de IMAGO

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La ceramista venezolana Elsa Esté, está exhibiendo su más reciente obra en una exposición titulada “Labores propias de mi sexo”, en los espacios expositivos del centro cultural IMAGO.

Un conjunto de piezas elaboradas con las técnicas del papel cerámico y el tejido a crochet en algodón, integran esta muestra en la que la artista cuestiona la expresión con la cual el mundo de la segunda revolución industrial identificaba las tareas del hogar que le correspondían a la esposa y madre por su naturaleza femenina, según afirma María Eugenia Esté en el texto que acompaña la exposición.

Elementos repetidos y fragmentarios, la elección de la cocción sin esmaltes, y la unión de la dureza del material cerámico con la fragilidad del tejido en un solo conjunto, son algunas de las características que se destacan en la propuesta que presenta en esta ocasión Elsa Esté, para expresar su visión en torno al tema.

Elsa Esté, ceramista venezolana,

De acuerdo al texto de sala, Elsa nos convoca a la ironía y a la sonrisa, a distancia del panfleto feminista, con la sutileza que se revela en el recurso a las formas de la naturaleza, como flores, arbustos, tallos y telarañas. “Elsa se burla de ella misma cuando habla de las Labores propias de su sexo, pero en contraste con la serenidad de su obra ella se pregunta angustiada, por esa aún mayoría segregada, atada a las Labores propias de su sexo y a una sociedad maltratadora”.

Elsa Esté (Maracaibo, Venezuela) posee una amplia trayectoria en cerámica utilitaria, escultórica, porcelana y papel cerámico. Inició su formación en 1979 en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, en Caracas, y más tarde amplió sus conocimientos en cursos y talleres impartidos por importantes ceramistas de Estados Unidos, Europa y Suramérica, entre los cuales figuran Warren MacKenzie,  Scott Golberg, Enric Mestre, David Leach, Guillermo Cuéllar, por citar solo  algunos; de cerámica utilitaria en el prestigioso centro de formación Haystack Mountain School of Crafts en Maine (EEUU).

Asimismo, ha mostrado su trabajo en exhibiciones individuales y colectivas en Venezuela y Estados Unidos; y ha recibido reconocimientos como la Mención de Honor 4ta Trienal en Zagreb (antigua Yugoeslavia) y Premio Nacional de las Artes del Fuego del año 2001 (Caracas, Venezuela), entre otros. Su obra está presente en las colecciones de cerámica de importantes organizaciones como Banco Mercantil y Universidad de Carabobo, en Venezuela; Museo de la Real Fuerza, en La Habana, Cuba; Museo de Arte Contemporáneo de San Juan de Puerto Rico; y Museo de la Cerámica en Zagreb, Croacia.

La más reciente obra de Elsa Esté podrá ser apreciada en la exposición “Labores propias de mi sexo”, fue inaugurada el pasado 06 de marzo y estará abierta hasta el 01 de mayo de 2020, en el Centro Cultural de IMAGO, 165 Majorca Avenue, Coral Gables, Florida, Estados Unidos.

Nota de prensa

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Exposiciones Internacionales

La artista venezolana Carola Bravo expone su muestra individual en Miami

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Una exposición titulada “Braided Nature”, fue inaugurada en Miami por HARTVEST PROJECT y ArtesanoGroup Foundation, el pasado viernes 28 de febrero de 2020 en el Cypress Hall del histórico parque Pinecrest Gardens, con un conjunto de propuestas artísticas que abordan el arte de la fibra y la naturaleza.

Presentada dentro de la programación permanente que desarrolla HARVEST PROJECT en el Cypress Hall, de la mano de la artista venezolana Carola Bravo, “Braided Nature” propone “una reflexión sobre las relaciones entre la naturaleza y el tejido a través de la obra de cinco artistas contemporáneos”, tal y como afirma la curadora e investigadora Katherine Chacón en el texto que acompaña dicha muestra.

La artista Carola Bravo.

Ariadna Loayza Taux, creadora venezolana invitada por ArtesanoGroup Foundation para esta exposición, utiliza la imitación de patrones indígenas de su país para recrear lo sagrado ritual, y “asume el tejido yendo a las raíces de su práctica artesanal e instalándose en la meditación técnica y estética como medio para reverenciar y acceder a lo trascendente”, según describe la curadora.

La artista cubana Aurora Molina, en esta ocasión “se vale de las técnicas de la costura y el bordado para ejecutar particulares esculturas y dibujos. En Embroidered los trazos precisos de la máquina de bordar permiten describir personajes urbanos cotidianos que cobran, en esta síntesis representativa, un carácter único e inquietante”, señala Katherine Chacón.

Ariadna Loayza Taux

Obra de la artista Aurora Molina.

En cuanto a la propuesta de Evelyn Politzer, uruguaya Chacón indica que “entabla un diálogo con la naturaleza mediante la recreación plástica de sus cualidades orgánicas. Guiada por la intuición y su vasto conocimiento de las posibilidades del trabajo textil, aborda en su instalación Nidos las confluencias que la naturaleza y el tejido comparten como ámbitos para el cobijo y la intimidad”.

El estadounidense Sterling Rook, presenta una instalación donde “utiliza las cualidades de las fibras y el vocabulario de la trama para elaborar una narrativa sobre la cultura. Para él, esta configura un ‘manuscrito textil’, surgido del entrecruzamiento de hilos significantes que adquieren su definitiva dimensión al imbricarse como totalidad”; y la venezolana Carola Bravo, “utiliza el vídeo como una ventana que permite captar un entorno natural cambiante y heterogéneo. La intervención de líneas que se tejen en cuadrícula incorpora el orden como contraparte de la aparente libertad orgánica, sustentada en las calladas estructuras que tejen la materia viva”, puntualiza la curadora.

Nidos así se titula las obras  de la artista Evelyn-Politzer.

 

Sterling Rook, presenta una instalación en fibras.

El público podrá visitar la exposición “Braided Nature”, que presentan HARTVEST PROJECT y ArtesanoGroup Foundation desde el 28 de febrero hasta el 25 de abril de 2020 en el Cypress Hall de Pinecrest Gardens, ubicado en 11000 Red Road, Pinecrest, FL 33156, USA. El horario es de lunes a domingo, de 8:30 am a 5:00 pm. La entrada es gratis.

HARTVEST PROJECT es una empresa dedicada a «plantar semillas de arte» y ofrecer la experiencia de disfrutar del arte, que fue creada en 2014 por la artista venezolana Carola Bravo, y que desde el año 2016 mantiene una alianza con Pinecrest Gardens y el pueblo de Pinecrest, para ofrecer educación artística y conexiones con la comunidad. Por su parte, ArtesanoGroup Foundation, es una ONG fundada en Venezuela en 2003, con sede también en Miami, dedicada a promover la creación artesanal de los habitantes ancestrales de Venezuela y América Latina a través del programa «Hacedores de país ®», Centro UNESCO.

Con nota de prensa

 

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El artista venezolano Fausto Amundarain inaugura exposición en Cerquone Projects Madrid

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El artista venezolano Fausto Amundarain presentará su más reciente propuesta en España, con una exposición que bajo el título Algo nuevo, Algo prestado y Algo azul, será inaugurada el próximo jueves 20 de febrero de 2020 a las 8 p.m. en los espacios de Cerquone Projects Madrid, con la curaduría de Juan José Aguilar e Ignacio González.

La muestra está conformada por una selección de obras en las que Amundarain se sirve del cómic y la caricatura como lenguaje visual, para explorar el pasado y el momento en el que estas imágenes se desarrollaron, según él mismo afirma. “La obra es el paso de un punto a otro, el estudio y reconversión de la imagen original en otra. Intervengo la imagen de base agregando y quitando elementos, desarrollando las líneas que componen la imagen total y llevándola a una escala donde el trazo original cambia completamente, sacándolo de contexto y convirtiéndolo en otro aparentemente inalcanzable”.

De acuerdo a los curadores, en el trabajo de Fausto se aprecian tres elementos que lo articulan todo, como son: el objeto encontrado, el extrañamiento y la reinterpretación. “Su obra nos habla desde el principio de estas tres formas que se van engarzando de distintas maneras y van produciendo su particular universo, en constante evolución, pero manteniendo siempre una unidad”.

En esta nueva obra Fausto parece encontrar una fuente inagotable de inspiración en los recursos narrativos del cómic. En este caso el interés del artista es “profundizar en el cómic como medio de expresión y realizar una obra metalingüística donde se subrayan los recursos narrativos que generan la acción, convirtiéndolos en elementos de expresión con entidad propia (…) Así, las obras presentadas, originadas a partir de cómics de los años 50 y 70, terminan de conformar una línea de trabajo que venía configurando el artista venezolano, devolviendo unas imágenes nuevas, que emplazan al espectador a un mundo donde la sutileza y el detalle son las características principales”, señalan los curadores.

Fausto Amundarain (Caracas, 1992), ha mostrado su trabajo en diversas ferias de arte y exposiciones colectivas e individuales, tanto en Venezuela, como en Estados Unidos y España. Su obra parte de la investigación de varios referentes. Inicialmente de su identidad reflejada en los iconos infantiles a través del cómic y su estímulo de interpretación como suerte de proceso reflexivo, luego el interés por la ciudad y paso del tiempo en los elementos de reconocimiento de la cultura y consumo de masas, así como también, su necesidad en la investigación por movimientos artísticos como el pop art y la abstracción geométrica. Asimismo, su trabajo se define por el uso y repetición de gráficas visuales acumuladas en capas y capas de papel, pintura acrílica, aluminio, serigrafía y otros materiales que forman un collage saturado.

Por su parte, Cerquone Projects es una galería comprometida con la difusión, investigación y generación de nuevos diálogos, que se estructura en torno al arte contemporáneo y sus diferentes manifestaciones. Con dos sedes, una en Caracas (Venezuela) y otra en Madrid (España), Cerquone Projects cuenta con un equipo de jóvenes profesionales interesado por la generación de propuestas innovadoras, y apuesta por el desarrollo de un discurso cuidado y coherente que busca generar vínculos y tender puentes entre Venezuela y España.

La exposición Algo nuevo, Algo prestado y Algo azul, de Fausto Amundarain, se estará presentando desde el 20 de febrero hasta el 8 de abril de 2020, en Cerquone Projects Madrid, calle López de Hoyos 64, Madrid, España. El horario es de martes a viernes de 11:00 a 19:00 hrs, de viernes a domingos previa cita. Para más información: cerquoneprojects@gmail.com / + 34 665038844.

Con nota de prensa

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