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El artista venezolano Rafael Montilla participará en la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica

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El artista venezolano Rafael Montilla fue seleccionado para participar con su propuesta creativa en la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica, que realizará la Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través del Centro Cultural Tijuana (CECUT), a partir del 08 de octubre de 2021 a las 7 p.m., bajo la curaduría de la museóloga y curadora chileno-venezolana, Carmen Hernández.

El certamen, cuya premiación tendrá lugar el 20 de octubre de 2021, busca exponer las nuevas formas de aproximación a la pintura, y cuenta con la participación de más de 140 propuestas de artistas de diferentes países, que serán exhibidas hasta el 22 de febrero de 2022 en una muestra que tomará los espacios del Centro Cultural Tijuana.

Rafael Montilla participará en la Trienal con una instalación urbana titulada “Big Bang Mirror”, que tiene como precedente la serie “Big Bang” en la que el artista viene trabajando desde hace varios años, inspirado en la búsqueda de la comprensión del origen del universo y su recreación a través del arte.

Obra del artista Rafael Montilla.

Según explica Rafael Montilla, la instalación “Big Bang Mirror” está integrada por 1700 fragmentos de acrílico reflejante, y es la continuación del proyecto anterior (Big Bang), en una fase que potencia el discurso e incorpora no solo el paisaje urbano sino la mirada cómplice del espectador, ahora copartícipe de una experiencia en la que no solo es testigo, sino protagonista.

“De este modo, se establece una relación diversa y directa entre la obra, el espacio y el espectador. Pretendo no sólo embellecer la ciudad, sino también hacer un quiebre en la monotonía del transeúnte y los peatones (…) La calle se convierte en galería. El espectador al ver la obra, se ve así mismo y pasa a ser parte de ella, los transeúntes y la ciudad son la obra ya que todo el ambiente se refleja. La obra y el espacio público cohabitan en la mirada del espectador y su reflejo incorporando, a través de los espejos, fragmentos que descomponen y recontextualiza una nueva realidad que confronta las nociones de tiempo, espacio y verdad”, afirma Montilla.

En palabras del artista, “La idea de la Gran Explosión que dio origen al universo, el punto inicial en el que se formó la materia, el espacio y el tiempo, es recreado por esta obra, gracias a los descubrimientos recientes de la física y la astronomía que afirman que este gran acontecimiento que tuvo lugar hace unos 13.800 millones de años, pudo haber creado un universo espejo donde el tiempo corre al revés.

El reconocido artista venezolano Rafael Montilla.

Partiendo de esta hipótesis, mi obra propone una invitación a expandir nuestros pensamientos, imaginar, crear y expandir nuestro potencial, libres de prejuicios y abiertos a infinitas posibilidades de lectura e interpretación en este recorrido expositivo-interpretativo que fomenta la experiencia individual y colectiva a partir de relaciones diversas y cambiantes, fundamentadas en la subjetividad, la indagación y la observación”.

Nacido en Caracas y residenciado en Miami, Rafael Montilla es un artista visual independiente familiarizado con diversos lenguajes plásticos como la fotografía, el performance, las intervenciones urbanas. En el ámbito fotográfico es conocido por su serie I Love Miami, y sus performance del Hombre-Cubo, por lo que se proclama el 16 de agosto de 2016 el día del artista Rafael Montilla por parte del gobernador Tomás Regalado de la ciudad de Miami, Florida. En  el 2017 recibe el reconocimiento  del alcalde Juan Carlos Bermudez de la ciudad del Doral Miami por su obra artística y por promover el arte.

Obra del artista Rafael Montilla.

Recibe el Primer premio en el 2015, en arte y fotografía en la semana de Art-Basel. Entre sus exposiciones individuales destacan: 2018, Kubes in Action, Coral Gables Museum July 6th Coral Gables Museum 285 Aragón, Museo de Coral Gable. Su trabajo ha sido reseñado por críticos y curadores de distintos países y se han publicado artículos en medios de gran alcance comunicacional y académico como la revista Discurso Visual   adscrita al Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas (Cenidiap) de México.

La más reciente propuesta de Rafael Montilla, “Big Bang Mirror”, formará parte de la selección de la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica, que será exhibida del 08 de octubre de 2021 al 22 de febrero de 2022, en el Centro Cultural Tijuana (CECUT), Zona Urbana Rio Tijuana, 22010 Tijuana, B.C., México.

Obra del artista Rafael Montilla.

Cabe destacar que el público podrá participar en la premiación de la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica, emitiendo su voto a través de la página web https://trienalvotacion.mx

Nota de prensa – Fotos: Cortesía

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El artista venezolano Pablo Griss expone su obra en Berlín

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Una exposición del artista venezolano Pablo Griss fue inaugurada recientemente en la galería Luisa Catucci Galerie de Berlín bajo el título Intervention, con una selección de sus pinturas más recientes, que podrán ser apreciadas hasta el 01 de mayo de 2022.

La muestra incluye dos obras de gran formato de la serie Intervention, una obra de 4 metros de la serie BlackGold, varias piezas de la serie intervention / color margnetic continuum, así como una introducción a sus exploraciones pictóricas más recientes a las cuales llama Diagramas para intervención en un campo de color.

La obra de Pablo Griss se define como geometría abstracta. A pesar de la inevitable influencia del arte cinético en su obra, es posible descifrar su intención más allá de generar un efecto óptico. Griss es un pintor para quien el uso cuidadoso de los materiales es fundamental. Utiliza pigmentos de alta pureza sobre lino belga y cada obra lleva decenas de capas para lograr la saturación óptima. La técnica del Hard-edge en la que la separación entre dos áreas de color plano esta definida con altísima presición generando una vibración visual se aprecia en la serie INTERVENTION de Pablo Griss como una de sus características principales.

Sin embargo para Griss, su pintura trasciende lo visual en busca de lo poético, su obra nos invita a la introspección y reflexionar acerca de todo aquello que no podemos ver pero sí percibir.

Obra del artista Pablo Griss. Foto: Cortesía

Según sus propias palabras, Pablo Griss explora a través de la pintura las posibilidades visuales de la energía y sus características: campos magnéticos, radiación, resonancia, corrientes y ondas electromagnéticas. “Me interesa cómo estos fenómenos físicos conectan con algunas de mis reflexiones existenciales; si miramos de cerca, la mayor parte de nuestro comportamiento se lleva a cabo como estos incidentes”.

Para Pablo Griss, en su obra “la repetición y la simetría se sintetizan en la retina y se muestran en la superficie del cuadro; como la imagen de un ‘campo magnético’: vibraciones que más allá de los puros efectos visuales son en sí mismas el fenómeno”.

“Emprendo la geometría con el cuidado de no caer en el ‘manierismo gráfico’, mi interés se centra en los valores que se pueden comunicar y trascender poéticamente a través de la pintura. Mi pintura es una fuerte presencia que no ofrece ninguna narrativa literal o conceptual. Mi obra no se resuelve en su superficie, abarca mucho más. Sí, es una superficie bidimensional, pero tiene la capacidad de llevar a su observador a otros planos no ordinarios fuera de la realidad conocida y es ahí donde la pintura muestra su mayor valor: cuando transforma desde dentro”, señala Pablo Griss.

Por su parte el artista Matias Krahn, Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (España) , considera que Pablo Griss es un pintor-pintor, de aquellos que nace de la pintura, se revuelva en ella, vive para ella y por ella. “Como todo artista que busca, Pablo Griss se reconoce a sí mismo en el flujo de la vida, por lo que no tiene miedo a investigar y a indagar en nuevos y desconocidos territorios.

Es así como ha llegado a crear un cuerpo de trabajo sin concesiones a la anécdota, una pintura que habla de los terrenos fronterizos de la conciencia humana, del lugar en el que explota la realidad y se desdibuja para dejar paso a otras dimensiones menos comprensibles y cómodas”.

Pablo Griss, nació en Caracas, Venezuela en mayo de 1971. Graduado de la Universidad de Columbia en Nueva York, se ha dedicado por completo a su carrera artística de manera profesional. Desde 2015 vive y trabaja en Berlín, sus obras son exhibidas constantemente en exposiciones colectivas e individuales en Estados Unidos, Europa y América Latina.

Su obra tiene influencia de artistas como Peter Halley, Agnes Martin, Frank Stella, Daniel Buren, Sol Lewitt, Donald Judd y Josef Albers. En 2013, las primeras obras de su serie Intervention se presentaron por primera vez durante ArtBo ’13 compartiendo espacio de exhibición con el conocido artista de Neo-Geo Peter Halley; Durante esta feria de arte, su trabajo apareció como portada de la versión digital de la revista especializada Art in America. En 2014, su obra se incluyó en ‘100 Painters of Tomorrow’ escrito por Kurt Beers y publicado por Thames & Hudson.

La exposición Intervention de Pablo Griss estará abierta al público hasta el 01 de mayo de 2022 en Luisa Catucci Galerie, ubicada en Allerstr. 38, 12049 Berlín, Alemania.

Nota Prensa – Fotos: Cortesía

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El artista venezolano Sheroanawe Hakihiiwe fue invitado a la Biennale di Venezia 2022

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La obra del venezolano Sheroanawe Hakihiiwe estará presente en la 59ª exhibición de arte de la Biennale di Venezia curada por Cecilia Alemani.

Il latte dei sogni es el título que recibe la presente edición de la destacada exposición. La muestra se inaugurará el 23 de abril y podrá visitarse hasta el 27 de noviembre de 2022 en los Giardini, el Arsenale y otros espacios de la ciudad de Venecia.

La Biennale di Venezia, con 127 años de trayectoria, se centra en su edición número 59 en tres temáticas principales: la representación de los cuerpos y sus metamorfosis; la relación entre individuos y tecnologías; y la conexión entre los cuerpos y la Tierra. Estos son los hilos conductores planteados por la curadora e investigadora italiana Cecilia Alemani, quien toma el título The Milk of Dreams de un libro escrito por la artista surrealista Leonora Carrington, para llevarnos a un viaje imaginario a través de las metamorfosis del cuerpo y las múltiples definiciones de la humanidad.

En palabras de la curadora: “Muchos artistas visualizan el fin del antropocentrismo, celebrando una nueva comunión con lo no humano, con el mundo animal y con la Tierra; también están desarrollando un sentido de parentesco entre las especies y entre lo orgánico y lo inorgánico, lo animado y lo inanimado.

Obra del artista Sheroanawe Hakihiiwe. Foto: cortesía

Otros reaccionan a la disolución de sistemas supuestamente universales, redescubriendo formas localizadas de conocimiento y nuevas políticas de identidad. Otros practican lo que la teórica y activista feminista Silvia Federici llama el ‘reencantamiento del mundo’, mezclando tradiciones indígenas con mitologías personales de la misma manera que Leonora Carrington.

Aunque los acontecimientos de los últimos meses han dejado un mundo desgarrado, la exposición ‘The Milk of Dreams’ trata de imaginar otros modos de convivencia y transformación. Así que a pesar del clima que la forjó, aspira a ser una exposición optimista, que celebra el arte y su capacidad para crear cosmologías alternativas y nuevas condiciones de existencia. Pide a los artistas que no revelen quiénes somos, sino que absorban las preocupaciones y los miedos de este tiempo y nos muestren quiénes y qué podemos llegar a ser”.

El artista venezolano-yanomami Sheroanawe Hakihiiwe presentará en esta oportunidad un conjunto de 15 obras sobre papel que dan cuenta de sus principales inquietudes. Esta selección de monotipos y dibujos, realizados sobre papel de morera y sobre papel de caña estucado, nos acercan a la visión del artista sobre el entorno natural de su comunidad, su relación con los seres vivos (animales y plantas), así como a aspectos vinculados a la cosmogonía y mitología yanomami.

Desde la década de los noventa, Hakihiiwe ha venido desarrollando un trabajo orientado al rescate de la memoria oral de su pueblo. Sus dibujos, en los que prevalece un lenguaje sintético, concreto y sensible; constituyen su única herramienta de resistencia frente al devastador proceso de destrucción de todo lo que conoce. La obra del artista emprende una revisión contemporánea del imaginario yanomami y ofrece una documentación en la que habla simultáneamente desde el orgullo y el miedo a la pérdida de la memoria de su pueblo, del espacio en el que habitan y de sus creencias.

La obra de Hakihiiwe, aunque profundamente íntima y personal, ofrece una posible relectura sobre la condición humana y sobre nuestro lugar en la Tierra. Es así como se incorpora en la presente edición de la Biennale di Venezia, donde podrá ser visitada hasta finales de noviembre de 2022.

Sobre el artista Sheoranawe Hakihiiwe

Artista indígena residenciado en Platanal, comunidad yanomami en el Alto Orinoco. Su experiencia en el campo de la creación se inicia en 1992 cuando aprende a elaborar papel artesanal con fibras nativas como el Shiki o la Abaca, bajo la tutela de la artista mexicana Laura Anderson Barbata. Juntos fundaron el proyecto comunitario “Yanomami Owëmamotima” o “El arte yanomami de reproducir papel”. Hakihiiwe ha presentado su trabajo de forma individual en varias oportunidades, en Venezuela expuso en la galería Abra (Puhi Tropao, 2017), en el Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez (Puhi Tropao, 2017) y en Oficina#1 (Porerimou, 2013 y Oni The pe Komi, 2010).

Asimismo, exhibió su trabajo de forma individual en galerías internacionales como Ana Mas Project de Barcelona, España (Watori, 2021), en la galería FDAG. Carpintaria de Brasil (2021) y en la Kunsthalle Lissabon de Portugal (Urihi theri, 2021). También participó en las ferias ARCO de España (2019), Artissima de Italia (2019), ArteBa de Argentina (2019) y ArtBo de Colombia (2017).

Artista venezolano-yanomami Sheroanawe Hakihiiwe

En el 2012 hizo una publicación en el Center for Books and Paper del Columbia College de Chicago en Estados Unidos. Entre las muestras colectivas que ha integrado, destacan los espacios de la Kunsthalle Wien (“and If I devoted my life to one of its feathers”, 2021), Museo de Denver (“Revision”, 2021) y Lamb gallery (“Off the grid”, 2021); Para Site & Soho House (Garden of six seasons, 2020); la Bienal de Berlín (2019), Le jour des esprits est notre nuit en el Centre Rhénan d’art contemporain (2019), Kupfer Projects (2019); la Bienal de Shanghai (2018), Conjuro de Ríos de la Universidad Nacional de Colombia (2018); la Bienal de Curitiba y la Bienal Internacional de Artes Indígenas Contemporáneas de Conaculta (2012).

Fue galardonado con los siguientes premios: Artista de proyección internacional de AICA – Venezuela (2021), beca residencia de Piramidon (2021), Premio Refresh Irinox de Artissima (2019), Illy Sustain Art Prize de ARCO (2019), Primer premio de la Bienal Internacional de Artes Indígenas Contemporáneas de Conaculta (2012) y Libro del año (2000). Sus obras integran colecciones privadas y públicas a nivel mundial. Este año también será parte de la Bienal de Sídney en Australia, de la Kathmandu Triennale en Nepal y de la exposición “Les vivants” de la Fundación Cartier en Francia.

Breve resume de la curadora Cecilia Alemani

 Cecilia Alemani

Es una curadora italiana radicada en Nueva York. Alemani recibió su BA en Filosofía de la Università degli Studi en Milán y su MA en Estudios curatoriales de Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York. Desde 2011 es la Donald R. Mullen, Jr. Director y curadora en jefe de High Line Art en Nueva York. De su trayectoria como comisaria destaca la Dirección artística de la edición inaugural de Art Basel Cities: Buenos Aires en 2018 y la curaduría del Pabellón de Italia en la Bienal de Venecia de 2017.

Entre 2012 y 2017, curó Frieze Projects en Nueva York. En el 2011 fue la curadora invitada de la Bienal de Performance Performa 11. También cofundó el festival “No soul for sale” que tuvo lugar en X Initiative (2009) y en Tate Modern’s Turbine Hall (2010). Antes de estos roles, Alemani colaboró con museos, instituciones y fundaciones en varios programas, mientras persigue otros proyectos menos convencionales con organizaciones sin fines de lucro y organizaciones informales. También escribe para D, Repubblica y ha colaborado en varias publicaciones de arte como Artforum.com, Cura, Domus Magazine, Mousse Magazine, Klat, Modern Painters, Art Press, October Magazine y Flash Art.

NP. Fotos: Cortesía 

 

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El Miami New Media Festival aterrizará en Venezuela
La sexta edición del festival dedicado al videoarte continúa con proyecciones en las ciudades de Valencia, San Cristóbal y Maracaibo

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La XVI edición del Miami New Media Festival toca suelo venezolano con tres imponentes eventos que cerrarán con broche de oro la celebración de los 15 años de la fundación Arts Connection este 2021: el 3, 4 y 5 de diciembre, de 11:00 a.m a 8:00 p.m. se proyectará continuamente en modalidad outdoor en el Mercado de Arte y Diseño de la Galería Braulio Salazar de la Universidad de Carabobo (Valencia, estado Carabobo); el viernes 10 de diciembre, a las 5:00 p.m. en el Café Cultural Bordes de San Cristóbal (Táchira), y el 14 y 15 de diciembre, a las 6:00 p.m. en el teatro del Centro de Bellas Artes del Ateneo de Maracaibo (Zulia).

Los tres eventos, que son de carácter gratuito, cuentan con la coordinación de Jimmy Yánez (International Official Curator & Museographer), quien explicó que como miembro del jurado del prestigioso festival seleccionó 8 vídeos. Así se exhibirán las obras de vídeo-art de Jean Michell Rolland (Marsella-Francia), Jérémy Griffaud & Julien Griffaud (Nice-Francia), Isabel Pérez del Pulgar (Douarnenez-Francia), Gil Zablodovsky & Lali Tsipi Michaeli (Tel Aviv-Israel), Silvia De Genaro (Roma-Italia), Ionne Waterhouse (Agrigento-Italia), Alydia Wever (Aruba-Netherland) y Adonis Ferro (Habana-Cuba).

Este año el festival tiene como tema curatorial “New Media Art and the Pandemic”, para promover la reflexión en torno al aporte que puede brindar el arte a la nueva realidad pandémica. La selección de Jimmy Yánez quiere mostrar “cómo fue el proceso creativo de esos artistas que trabajan con los nuevos medios durante la pandemia. Es decir, no es un efecto de relación con la enfermedad sino de una época marcada por una pandemia”, indicó el curador, quien además lleva la representación del MNMF para el Caribe Insular y Continental.

Es oportuno recordar que el gran estreno mundial del prestigioso festival se llevó a cabo en Miami, a través de dos grandes eventos: del 30 de octubre al 24 de noviembre, en el City Place Doral (indoor); y el 27 de noviembre en el evento anual Kick-Off del Miami Art Week en Doral (outdoor), ambos organizados por Arts Connection en alianza con el Doral Contemporary Art Museum. Los eventos en Miami sirvieron de plataforma para mostrar los 36 videos seleccionados en esta XVI edición: 26 obras fueron elegidas a través de la convocatoria coordinada desde Miami, con la participación de 97 aplicaciones; y 10 obras a través de la convocatoria italiana coordinada junto a Rome Art Week.

De venezolanos para el mundo

El Miami New Media Festival tuvo su primera exposición en Maracaibo en 2006 y hoy es una plataforma multimedia que está establecida en la ciudad de Miami (Florida, Estados Unidos) a través de la fundación Arts Connection, bajo la coordinación general de Milagros González. Es una fiesta de arte contemporáneo que promueve la exploración de nuevas tecnologías y narrativas interactivas, como el vídeo arte, la animación, el arte digital y el mapeo interactivo.

La idea nació hace 17 años en Caracas, gracias a la triangulación creativa entre Andreina Fuentes Angarita, Andriana Barrios Mendoza y el curador de arte Gerardo Zavarse, que en ese tiempo era director de la Fundación Arte Emergente. “En el 2004 decidimos iniciar un festival nacional de vídeo arte. Empezando por Maracaibo, en la calle. En ese entonces ya se hacían proyecciones en las paredes de las instituciones de ciudad en ciudad”, recordó Andreina.

El MNMF presenta proyecciones indoor y outdoor en Latinoamérica, el Caribe, Estados Unidos y Europa. Desde su creación, ha promovido a más de 300 artistas de países de los cinco continentes, a través de más de 500 vídeos, instalaciones y performances.

Más información en: https://www.miaminewmediafestival.com/

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