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Entrevistas

El color y la ingenuidad de Elizabeth Conde

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En el marco de la celebración del mes del Artista Plástico ofreceremos reportajes dedicados a varios de nuestros artistas, iniciando en esta oportunidad con la entrevista que realizamos a Elizabeth Conde, una artista ingenua o naif, autodidacta, que busca o intenta captar lo esencial de la vida, su obra representa la pureza que nace del alma y por el sentimiento más profundo como el amor de una madre hacia su hijo, así son las pinturas de Elizabeth Conde,

Su estilo popular con sus temas tomados de la vida diaria y su arcoíris de color plasmado en el lienzo, el arte de esta artista es una explosión de colores brillantes e intensos como la propia existencia.

Peleas de gallos, bailes de tambores, fiestas religiosas y folklóricas, la conocida Calle de Los Lanceros de la ciudad portuaria de Venezuela, Puerto Cabello caracteriza la obra de Conde.

La artista Elizabeth Conde. Foto cortesía: La Galería

La artista Elizabeth Conde. Foto cortesía: La Galería

Sus inicios

Elizabeth nació en el Departamento de Girardot – Colombia pero tiene más de 30 años en Venezuela, la tierra que adoptó como suya y quiere, siente como una venezolana más y le duele la problemática que se está viviendo. ‘’Uno es del país donde se hace y que le da las oportunidades para salir hacia adelante’’, afirma Conde.

Llegó a Venezuela siendo adolescente, sus primeros años lo vivió en Guasdualito en los  llanos venezolanos, allí nacieron cuatro de sus hijos y desde el año 1981 vive en Morón estado Carabobo. Es madre de 5 hijos, abuela de 16 nietos y tiene 5 bisnietos que son su gran bendición. Desde niña soñaba con estudiar arquitectura pero no pudo ser y años más tarde se dedicaría a la pintura.

Empezó a pintar a los 41 años de edad y desde entonces no ha parado de crear… Aunque empezó un poco tarde, su carrera artística le ha dado grandes satisfacciones y alegría.

La primera vez que pintó lo hizo sobre un paspartú  dice Conde  – ‘’Agarré esos cartones y se me vino todo, era como una obsesión no quería parar y se me venía a la mente toda esa naturaleza que viví de niña en mi pueblo natal y luego en Guasdualito, todo afloraba como esos bellos atardeceres en el malecón cerca de mi querida Calle Los Lanceros que tiempos tan mágicos viví allí’.

Su aporte a la plástica venezolana es un legado a la cultura popular que se refleja en diferentes escenas cargada del realismo social. 

Obra de la artista Elizabeth Conde.

Obra de la artista Elizabeth Conde.

Relata la artista que recuerda que lo primero que pintó fue la escena de un ‘’chichorro callejero’’ dice que siempre le llamó la atención – continúan diciendo que la ‘’Calle Los Lanceros’’  la tenían fascinada ‘’era tal mi gusto por esta calle histórica que la he pintado miles de veces’’. A través de los años se ganó el apelativo como ‘’La pintora de la Calle Los Lanceros’’.

‘’Esa calle es mi escuela, mi fuente de inspiración  recuerdo que a los turistas le gustaba comprar mis cuadros, una vez desembarcó un barco norteamericano y un grupo de marineros se entusiasmaron tanto con mis pinturas que las vendí todas. Así que estuve enviando mis cuadros a Estados Unidos por varios meses  fue una hazaña, ahora por esas tierras lejanas hay un pedacito de Elizabeth Conde’’.

¿Qué representa para usted la Bienal del Salón Popular de Naguanagua?

EC.- »La primera Bienal del Salón Naguanagua lo gané yo y por lo tanto lo atesoro en mi corazón. Fue una excelente iniciativa de la Alcaldía del Naguanagua que año tras año, a pesar de la crisis que estamos atravesando, mantiene la Bienal y es una manera de promover y  apoyar el arte y la cultura de la entidad carabobeña. Y nosotros los artistas populares siempre estaremos agradecidos.

Conde, expresó – ‘’Mis pinturas son el reflejo de mi alma así soy yo vivo la vida con alegría, con paz y serenidad yo no tengo motivo para deprimirme a pesar de que mi vida ha sido un poco dificultosa y sé que las cosas no se ganan así de  gratis y cuando uno se las gana con esfuerzo y trabajo es cuando uno se siente más feliz. Esa felicidad, ese color y la alegría la llevo dentro y cuando me pongo a pintar en mis cuadros florece todo eso que tengo».

¿Cuándo volveremos a ver una individual de Elizabeth Conde?

EC – «Es mi propósito para este 2016 pero tengo prepararme una vez reuní una cantidad de cuadros y empezó a llegar gente a mi casa donde tengo un espacio para crear mis pinturas; bueno y los vendí yo les decía son para una individual que quiero presentar, algunos expresaban no hay problema Eli los vuelves a pintar, (risas). Pero si anhelo exponer en una individual, creo que es el gran deseo de todo artista o creador».

Su obra fue reconocida por IPOSTEL, durante dos años consecutivos. Su trabajo artístico  fue emblema de las estampillas de Navidad.

El crítico y  coleccionista de arte popular, Don Mariano Díaz, la ha incluido en sus libros de arte popular en Venezuela con excelentes críticas. Asimismo, la Fundación Polar y la Fundación Bigott, también le han reconocido su trabajo en sus publicaciones.

En el año 2014, la CANTV editó un catálogo de 75 páginas titulado Arte Popular: “Retratos de nuestro pueblo” dedicándole 4 páginas por su trayectoria artística.

En su extensa carrera como artista son muchos los reconocimientos y premios obtenidos por su obra entre los cuales se destacan:

En los años 1995 y 1996, ganó el Primer Premio “Carácter Ingenuo’’ Pintura Rápida Festivales del Cabriales, Valencia- Seleccionada para el calendario.

En el 1995, Fue condecorada con el Botón de la ciudad de Puerto Cabello.

Premio Aviación Naval 30 Aniversario Batallón de la Base Naval Agustín Armario. Puerto Cabello (1996).

Calendario Sociedad Antituberculosa Caracas (1997).

Ilustración de la carátula del libro de Asdrúbal Gonzáles. ‘’Bolívar viaja al eje esfera”.

Homenaje por el Día del Artista Plástico Casa de la Cultura de Morón (2004).

Primer Premio Bienal de Naguanagua (2007), 3er Premio Salón Alcaldía Municipal de Puerto Cabello (2008). Entre otros reconocimientos importantes la lista es larga.

ELIZABETH CONDE - FACEBOOK. 1

¿Qué le falta a Elizabeth Conde como artista?

EC – ‘’En realidad me siento completa con mi trabajo, mi labor como artista me llena, me da paz, alegría y también me da dinero, ya no como antes que andaba para arriba y para abajo con mis cuadros a veces tenía necesidad y muchas ocasiones hasta regalaba mi trabajo porque me veía comprometida por mis hijos para sacarlos hacia adelante; ya ellos crecieron ya todos son profesionales gracias a Dios y sé que los ayudé bastante con mi trabajo. Y para mí eso es lo más grande; mi familia, que es mi gran obra y mi pintura que me colma de satisfacciones, y primeramente Dios que lo tengo en mi corazón y me ha sacado hacia adelante. Cuando uno se siente esa soledad uno se aferra a él y es como una luz un aliciente en nuestras vidas.

Para ser feliz no se necesitan muchas cosas, cuando uno tiene el alma limpia la felicidad es un gozo que se siente con la paz y la serenidad’’. Añadió.

¿Usted a través de su experiencia artística ha ayudado con los jóvenes artistas?

EC –  «Yo fui maestra de pintura en la Casa de la Cultura de Morón allí iban muchos jóvenes a quienes impartía clases y también colaboraba con ellos. Pero tengo un proyecto que está dando vueltas en mi cabeza cual es montar mi propia Escuela de Pintura, claro no tengo el espacio realmente eso es lo que me hace falta, el lugar. Hay mucha gente que quiere porque así me lo ha expresado. Le ha dado clases a niños, jóvenes, adultos pero igual habían personas que me decían yo no puedo pintar, no tengo tiempo, y buscaban una excusa, así como personas aburridas de la vida. Al transcurrir del tiempo esas personas que se limitaban me sorprendían con sus trabajos, y eso da mucha alegría, ver la sonrisa en sus rostros y escucharles decir si puedo, es como si la creatividad le renaciera, se ponían a pintar, a mezclar colores, y yo los veía como inventaban algunas cosas que uno mismo se sorprende y aprende de esas personas, y da satisfacción cuando tu regalas alegría, paz a otros seres humanos y empiezas a vivir.

Pues sí, ese es mi objetivo, abrir una Escuela donde no sólo pueda enseñar a niños, también a personas de tercera edad porque son ellos los que más se deprimen y si uno con el talento que Dios nos dio podemos ayudar a otras personas a tener un poco de gozo, felicidad y amor, debemos hacerlo, el artista no solo es para recibir reconocimientos y aplausos también está para aportar a la sociedad».

ELIZABETH CONDE - FACEBOOK. 11

La mayoría de los artistas tienen un maestro como referente, cuál fue el suyo?

EC – »Desde que conocí la obra de Feliciano Carvallo me impactó porque él tiene esa vida, esa explosión de color, ese estilo tan único muy propio, su manera de pintar sus selvas, sus pájaros, los follajes. Entonces él ha sido el artista que más me marcó. Fíjate su color negro en sus cuadros.

Prácticamente a mí siempre me gustaba eso y casi todas mis pinturas tienen el color negro, son las que ganan los premios en los salones».

Si desean conocer más de la obra de Conde pueden encontrarla por su red social Facebook:  Elizabeth Conde

En la pintura de la artista hay una revelación de lo esencial, una magia invisible a los sentidos, pero que se siente e intuye con el alma, ha logrado plasmar su personalidad alegre, amorosa, sus obras son un ambiente festivo, lleno de diversión y música así es simplemente Elizabeth Conde.

 
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@VenprensaAC – Por: Janeissy Poyer – Fotos: Tomadas del Facebook

Entre Arte

Carlos Cruz-Diez el mago del color
“El arte es el más eficaz y bello instrumento de comunicación que el hombre ha inventado” - Carlos Cruz-Diez.

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Ofrecemos a nuestros lectores el texto integro de la entrevista que realizamos al maestro Cruz-Diez en su casa en París en mayo 2013, este reportaje fue publicado en versión editada en el revista del Diario Notitarde de «Letra Inversa» en la ciudad de Valencia, Venezuela. Fecha de publicación  01 de septiembre de 2013.

La Marión Gallery de la capital de Panamá organizó un merecido homenaje con la inauguración de una exposición titulada “Cruz-Diez 90 años de Color”, dedicada al que puede ser considerado el artista venezolano más universal con motivo de su cumpleaños número 90; toda una vida dedicada al arte y particularmente a la investigación del color, aportando a lo largo de ese trayecto vital un discurso personalísimo al mundo de las artes plásticas.

Para decirlo en palabras del desaparecido poeta Eugenio Montejo “Cada obra de arte revela un diálogo irrenunciable con su creador”, creemos que nunca estuvo mejor empleada la idea que contiene la frase que en nuestro entrevistado.

Carlos Cruz-Diez, nacido en Caracas el 17 de agosto de 1923, es el artista viviente más importante de Venezuela por ser uno de los padres fundadores del Op-Art y por haber aportado al arte universal una nueva dialéctica del color concibiendo este como una realidad autónoma protagonista de su propio espacio y tiempo sin necesidad de otros soportes. Es además un hombre con una gran virtud que destaca por sobre todas las demás, una humildad que desarma y sorprende.

El maestro nos concedió una entrevista en exclusiva para “Letra Inversa” – Diario Notitarde, en su hogar en París, en la estrecha Rue Pierre Semard, la que hizo suya desde su llegada de Venezuela alquilando el local de una antigua “Boucherie” para convertirla en su taller y con el transcurrir del tiempo fue adquiriendo otros inmuebles en esa misma calle para utilizarlos como depósitos, más tarde fue creado el departamento de documentación, que se encarga de resguardar todo el trabajo impreso del maestro, hoy en día ese rincón parisino es reconocido como el lugar del cual ha surgido una inmensa y originalísima reflexión plástica sobre el color. Aún no la nombran la calle Cruz-Diez, pero luego de 50 años bajo el afable influjo del maestro no faltará algún parisino que ya la llame así.

P: ¿Después de tantas vivencias y de haber impresionado al mundo hay algo que todavía sorprenda a Carlos Cruz-Diez?

 R: Con el pasar de los años y con la edad cada vez queda uno más sorprendido, porque todos los días la vida te da algo nuevo. Es como en el arte mismo, ningún artista cree que ha cumplido su misión, siempre quedan muchas por cosas por decir. El discurso se está haciendo hasta que uno tenga uso de razón. Cada día salen nuevas posibilidades, el movimiento cinético esta ahora instaurado muy bien históricamente y en la actualidad todo el mundo nos solicita, de todos lados surgen cantidades de exposiciones y actividades relacionadas con la obra; – se me llenó el cuarto de agua, nos dice el maestro con su risa chispeante.

P: ¿Cómo fue ese proceso creativo hasta que logró alcanzar su lenguaje propio?

R: Fue un largo proceso de investigación y de paciencia, desde niño en la escuela me fascinaba inventar, creo que eso es innato en mí, eso no se enseña, no hay universidad que te haga “doctor en invención” (risas), eso no existe. Mi madre me contaba que me regalaba juguetes y yo los desbarataba, pero no para destruirlos, sino que los transformaba en otra cosa, y funcionaban como juguetes, pero modificados por mí eso es imaginar, algo innato.

En la época de la Escuela de Artes Plásticas yo me decía –  Que fastidio, porqué todo el mundo pinta de la misma manera, no se pondrá hacer otra cosa que no sea eso, yo soy pintor y no reniego de la pintura, pero lo que no me gustaba era el mismo concepto; una tela a la cual se le aplicaban colores con una brocha. ¿Porque no puede ser otra cosa? Esa idea llevo mucho tiempo Y me llevo tiempo para pensar y analizar.

El maestro nos explica que también las vivencias cuentan mucho. ¿Porque el color tiene que estar ahí? el aire esta coloreado, el color puede venirse al espacio también, no tiene que estar necesariamente en un soporte; eso estuvo muy bien pensarlo. ¿Pero cómo materializar eso? Eso se tradujo en años de experimentos y fracasos, con más fracasos que éxitos, y la perfección no es más que es la acumulación de fracasos tanto que fracasaste hasta que lo haces bien y sigues trabajando e inventando.

“Practico la disciplina del investigador y del experimentador, porque los “soportes” que he logrado estructurar son fuente de sorpresas y de imponderables. Pongo en juego trampas de luz acordes con el comportamiento del color. En mis obras nada está hecho al azar, todo está previsto, programado y codificado. La libertad y lo afectivo sólo cuentan a la hora de elegir y combinar los colores, tarea a la que impongo una única restricción: ser eficaz en lo que quiero decir. Es una integración de lo racional y lo afectivo. Yo no me inspiro: reflexiono”.

P: ¿Su obra del Centro de Acción Social por la Música, ya se ha vuelto emblemática en muy poco tiempo, en que pensó para realizarla?

R: José Antonio Abreu se comunicó conmigo y me dijo; Carlos necesito que hagas una obra para esta sala, y es para los niños, se me ocurrió entonces si es para los niños vamos a hacerle como una caja de colores, de creyones, las sillas se prestaban para colorear y animar todo ese espacio, cada uno de sus elementos. Creamos una permutación en 10 módulos y ha tenido una gran receptividad porque tiene esa cosa espontánea de una caja de creyones, es muy original, en ninguna parte del mundo hay unas butacas así.

“Mi obra es un intento por revelar la naturaleza del color y su acción sobre el hombre sin el bloqueo que provocan las convenciones culturales, dado que nuestra relación con el mundo del color es profundamente afectiva”.

Las butacas del Centro de Acción Social por la Música, obra del maestro Cruz-Diez.

P: Recientemente se inauguró en Caracas la muestra “Cruz-Diez en Blanco y Negro. Fotografías 1942-1986”. ¿Porque esperó tanto tiempo para dar a conocer su obra fotográfica?

R: El periodismo y la fotografía siempre me han interesado, pero tal vez si yo hubiese mostrado eso, hubiesen hablado más de mis fotografías en lugar de aquello que nadie entendía y que a mí me interesaba dar a conocer.

P: ¿Contribuyó la fotografía a su obra?

R: Cuando hacia pintura figurativa si, yo iba conjuntamente con Aquiles Nazoa a la Charneca, al Observatorio a todos esos lugares para hacer fotografías y apuntes, para buscar la temática para los cuadros figurativos, y después para ganarme a la vida, aquí en París hacia fotografías para La Fayette, joyería y fotografías para vidrios entre otros.

P: Valencia es una ciudad privilegiada, pues cuenta con varias obras suyas en sus espacios públicos…

R: Si, entre otras “Fisicromía Naranja de Valencia” en la Redoma de Guaparo, “Ambientación Cromática” en la Asociación de Ejecutivos y la “Fisicromía Doble Faz para Valencia” en la Plaza de Toros. En los años cuarenta yo iba todas las semanas a Valencia con Oswaldo Vigas a visitar a unas muchachas lindas, así que por poquito me quedo en Valencia, (risas).

Indución Cromática Torres Stratos, Valencia, Venezuela.

Fisicromía de Doble Faz para Valencia Plaza de Toros Monumental, Valencia, Venezuela

Fisicromía Naranja de Valencia, Redoma de Guaparo, Venezuela.

P: ¿Qué significó para usted recibir el premio Penagos de Dibujo, en Madrid?

R: Me causó mucha emoción, y a la vez gracia, porque si dibujar significa hacer líneas, yo entonces he hecho millones de kilómetros de líneas…(risas). También lo dije cuando me dieron el premio. Es muy interesante porque el premio lo recibí en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, y cuando yo estudie allí también ahí estuvieron Tito Salas, Reverón, y en su tiempo Goya, así que era como una especie de templo del arte.

Por otra parte, cuando era niño mi padre recibía revistas de Europa, españolas, y estaban los dibujos de Penago, quien era muy buen dibujante y a mí me encantaban, aunque hoy en día el premio ha cambiado y hoy se lo otorgan a artistas por su trayectoria, cómo hicieron conmigo.

P: ¿Qué representa el tiempo en la vida del artista? Fisicromía Naranja de Valencia

R: El tiempo es el gran amigo y a la vez el gran enemigo del artista – porque el arte es una aventura que a veces no tiene ningún resultado, hay gente que trabaja toda su vida creyendo haber dado algo importante y resulta que el tiempo dice que no, y desaparecen, y otros que tienen la suerte de vivir el que su discurso haya llegado a la gente, porque la gente responde a lo que tú estás diciendo. Nuestra tendencia felizmente ahora ha llegado profundamente a la sociedad y eso para nosotros es una gran satisfacción. No obstante, pienso que en el arte al igual que con los artistas no existen fórmulas, hay artistas a quienes no les gusta comunicarse, a mí en particular me gusta hablar y comunicarme, amo a la gente, pero no significa que sea una norma para todos los artistas.

“…a medida que avanzaban mis conocimientos, me afianzaba en la convicción de que la profesión de artista no era un simple placer personal o una manera de evadir responsabilidades, un encierro en un mundo ajeno a la realidad, sino más bien un compromiso espiritual ante uno mismo y ante la sociedad.”

 “No soy poeta, ni escritor, ni historiador, ni filósofo, solo soy pintor…” CCD

 Y podríamos agregar; el mejor embajador del arte y el gentilicio venezolanos ante el mundo.

Texto por: Janeissy Poyer – Foto de portada Oswaldo Guerreiro / Fotos cortesía: Atelier Cruz-Diez/www.Cruz-Diez-com.es

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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El escultor Rafael Martínez celebra 50 años dedicados al arte

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“El arte es el más eficaz y bello instrumento de comunicación que el hombre ha inventado” Carlos Cruz-Diez

Cincuenta años aportando al arte, al color y la escultura, se dice fácil pero no lo es. Como dice el viejo tango de Gardel »Sentir que es un soplo la vida, que veinte años no es nada». A propósito de esta celebración semanas atrás fue Condecorado por la Alcaldía de Valencia con la Orden de la Ciudad de Valencia en su Primera Clase por sus 50 años de su trayectoria artística.

Rafael Martínez es representante de la corriente constructivista activa en Venezuela desde la década de 1970, el camino recorrido por este reconocido escultor tiene mucho de ejemplar. La evolución en sus planteamientos lo ha llevado a una permanente búsqueda de su propio lenguaje.

 En su taller rodeado de sus obras, algunas terminadas y otras en proceso creativo; el lugar preferido del maestro Martínez, fue donde nos concedió la entrevista y nos recibió con su sonrisa de siempre, con esa amabilidad, serenidad y humildad que lo caracterizan y es parte de su personalidad. Y por encima de todo ese talento que se pierde en el horizonte que lo ha llevado ser lo que es hoy en día; un reconocido y respetado maestro de la escultura.

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Esta obra de Rafael Martínez pertenece al proyecto que desarrolló para una zona urbanística en Costa Rica.

Son muchos los proyectos en que el artista Rafael Martínez ha estado involucrado y siempre los ha concluido con éxito, en su más reciente viaje a Costa Rica estuvo trabajando en dos esculturas.

¿Maestro cómo surgió ese proyecto de Costa Rica?

RM – Un señor que es constructor uruguayo residente en Costa Rica se interesó y le gustó mi obra, él quería darle un mayor atractivo a los condominios o edificios que ha construido colocando obras de arte, y a través de una amiga que vive allá que a su vez es amiga de este señor se hizo el puente. Él quiso hacer una prueba  que sería lo que él llama la integración de arte y arquitectura, cosa que me ha parecido siempre muy interesante; que unas veces se hace y otras no, y es lo que los artistas siempre quisiéramos; ver nuestras obras no colgadas en una pared o en un espacio cerrado sino en una avenida, en una calle, en la entrada de un edificio, que el arte forme parte del movimiento constante de la gente.

Y aparte de eso es la relación que hay con la arquitectura, la participación del público, porque digamos que aunque el público no esté tan acostumbrado a ir a una galería o un museo, si tiene una obra en un parque, al lado de un edificio o una avenida entonces será más práctico y fácil para ellos percibir que allí hay una obra de arte.

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Obra EQUILIBRIO 2016,  proyecto Costa Rica

¿Entonces usted considera que las ciudades deben estar rodeadas de arte, de esculturas?

RM- Bueno eso es la idea, para uno que también ha tenido la oportunidad de ver el arte en las calles en otros países de Europa, eso es muy normal en un parque, en la entrada de un edifico el arte está por todas partes, como en Argentina, Bogotá , Medellín, en Venezuela también se da el caso en Caracas y otras ciudades del interior donde uno ve obras de escultores, pintores, y murales que sin duda forman parte del entorno de la arquitectura de un espacio digamos abierto que tiene la ciudad y allí el arte también tiene su sitio.

Obra. Flor Sideral, del escultor Rafael Martínez.

Rafael Martínez. FLOR SIDERAL – ubicada en la autopista Francisco Fajardo Caracas.

¿Maestro, cómo ve usted ahora el arte en Venezuela?

Venezuela a diferencia de otros países, de verdad ha contado con excelentes artistas y muchos de esos artistas han tenido la oportunidad de mostrar sus trabajos en las calles; ha habido un apoyo si se quiere no un gran apoyo, pero a veces con el Ministerio de la Cultura, otras veces gobernadores que se han interesado en la difusión del arte y eso ha permitido que unos cuantos artistas entre esos estoy yo hayamos tenido esa oportunidad, no me puedo quejar porque he realizado más de 40 obras en espacios públicos, a veces me asombro son 40 oportunidades que he tenido de que mi obra sea vista por gran cantidad de personas y de alguna manera mi obra tiene una proyección nacional porque está en diferentes sitios.

Y por supuesto eso es algo que se agradece porque uno mismo uno no haría esas obras, tiene que haber un ente que te lo proponga para que tú la realices cómo pasó en Costa Rica que alguien se interesó en mi trabajo y quiso probar ver ese cambio que se produce cuando se coloca un mural, una gran escultura en la entrada de un edificio; es impresionante y eso me di cuenta allá. Las personas pasaban por ahí y se interesaban en lo que se estaba haciendo y fueron entendiendo ellos mismos, iban viendo el cambio, como la escultura se apoderaba del espacio.

Algo muy importante fue que los niños se sorprendían mucho y eso es parte de un aprendizaje de una formación que la gente vaya percibiendo el arte de esa manera, ellos no fueron a ningún sitio a ver la escultura yo le lleve la escultura allá.

La escultura se apropia del espacio toma carácter le da personalidad y toma vida propia del lugar como se observa en la autopista Francisco Fajardo de la ciudad capitalina, con la escultura del maestro Rafael Martínez ‘’La Flor Sideral” ubicada a pocos metros de la Esfera del precursor del Cinetismo, Jesús Soto. La obra de Martínez tiene fuerza vitalidad pero a su vez es poética e inspiradora porque muchas de sus obras son inspiradas del universo como es el caso de la Flor Sideral que nació de las estrellas, una flor imaginaria en el universo– como el mismo dice.  

Rafael Martinez - HOMENAJE A SAN FERNANDO - 1975 - Boulevard San Fernando de Apure

Rafael Martínez – Homenaje a San fernando, 1975 – Boulevard San Fernando de Apure

¿Pero actualmente hay ese apoyo para los artistas en Venezuela porque el arte debe tener una plataforma y así proyectar la obra del artista?

RM – Nosotros sabemos que el apoyo que ha dado este gobierno y en el anterior ha sido dirigido hacia la  música y al deporte. Los músicos deben estar felices, imagínate un niño de 13 años tiene la oportunidad de visitar Hungría, Japón, Londres entre otros y eso me parece bien porque la música venezolana se está proyectando. De esa manera que el gobierno ha puesto énfasis en la música también debería ponerla en otras expresiones del arte como la pintura, la escultura,  la danza, el teatro, el cine, bueno el cine venezolano allí está bien se están haciendo muchas cosas pero eso es privado con recursos personales. Hay países que le dedican un porcentaje alto para la cultura pero nosotros aquí es la miseria, lo que queda, lo poquito y no se entiende porque es tan importante la cuestión del arte y la cultura; eso es lo que distingue a los pueblos.

Tú ves un país como Italia, que es Italia?, es una nación de arte, claro que también tienen sus industrias pero no son las industrias italianas las que han proyectado a ese país – es el arte, la arquitectura, Leonardo, Miguelángel, son sus obras que están por todas partes, entonces si es importante el arte. Y los gobiernos debieran entender que se debe dedicar una mayor parte del presupuesto aunque no sea tan grandote, es vital apoyar el arte en su medida y que este se desarrolle.

¿Qué proyectos tiene para ejecutar este año y el 2017?

RM – Si tengo algunos proyectos, estoy trabajando en Venezuela pero también me han salido oportunidades de trabajo en el exterior y en eso ando, en las dos cosas y viendo lo que voy a proyectar afuera y lo que voy hacer aquí adentro, pero realmente no es que hay tantas posibilidades en Venezuela porque tenemos un escenario que afecta todo y el arte es cómo la cuerda floja, siempre que hay una situación crítica social  en un país es el más afectado, cómo no se le da tanta importancia al arte por eso es el que sufre más . A mí me ha  tocado vivir en otros países que han tenido episodios difíciles, económicos como en Italia allí se veía el arte perjudicado, claro se afectaba todo pero como uno es artista por supuesto es la parte que más le afecta.

Se han ido muchos artistas jóvenes de Venezuela, algunos regresan porque uno está ligado a Venezuela, yo amo a mi país y me gustaría estar aquí y seguir desarrollando mi obra acá, pero teniendo oportunidades, produciendo y teniendo calidad de vida igual para mi familia, eso sería lo ideal, donde puede estar uno mejor sino es en su país?.

En cuanto a los nuevos proyectos, tengo una exposición en Caracas en la Galería de Daniel Suarez en la Alta Florida y otros proyectos para el exterior. Pero hay un proyecto que lo tiene emocionado e ilusionado y no sale de su asombro – fue la propuesta que le hizo Carlos Cruz-Diez a quién lo une una gran amistad para exponer en Panamá en su galería, y la muestra sería con otro venezolano; sólo tengo que concretar la fecha con Carlos. Es para este año y tengo que trasladarme hasta Panamá y elaborar las obras allá. Hay otros  proyectos en lo que también se está trabajando, entre ellos uno en una galería de Miami-Florida.

¿Después de haber tenido tantas vivencias y experiencias y de tener grandes maestros como Jesús Soto y en su momento a Carlos Cruz-Diez, que sigue esperando de la vida o que le sorprende?

RM – Yo quisiera que las cosas me sorprendieran, siempre ocurren muchos sucesos que te sorprenden positivamente, pero si es importante de tener eso la capacidad, la oportunidad, el momento, que haya gente que te sorprendan por lo que piensan, por las cosas que hacen, realizaciones personales y te van nutriendo al mismo tiempo te hace pensar que hay muchas cosas bellas en el mundo y en la vida, que ojalá que no desaparezcan para nosotros poder vivir y sentirnos bien.

¿Qué le dejó su más reciente exposición ‘’Rafael Martínez en el Tiempo’’?

RM – Yo nunca había hecho una exposición así que reuniera más de 40 años de mi trabajo artístico, siempre quise hacerlo – se iba hacer en la Galería Nacional en Caracas pero no se cuadró bien los tiempos, pero estoy en conversaciones con algunas galerías de Caracas para exhibir esa misma exposición “Rafael Martínez en el Tiempo’’.

Es una gran experiencia, cuando estaba solo en la sala con mis obras, se recrea esa relación con ellas que tuviste en diferentes tiempos cuando hice esta obra o hice la otra – cual era mi taller, donde estaba yo,  como trabajaba entonces, etc. se crea una serie de relaciones con todo ese trabajo, son 40 años yo estaba más joven, y a medida que fui madurado entonces fui visualizado otras posibilidades dentro de la pintura, dentro la escultura y de pronto esta obra que hice hace 30 años es tan buena como esta que es de ahora o superior, pero son cosas de uno, yo me pongo ahí a estudiar o analizar y me doy cuenta de verdad que lo estaba haciendo bien.

Carlos Ochoa dijo que ‘’Rafael Martínez en el Tiempo nos devela un tiempo vital, en donde el mundo del espacio del artista se colma de sentido y de metáforas, que proponen reordenar el caos perceptivo a partir de armonías geométricas, formas serializadas que se repiten con la intención que el espectador se atreva a imaginar la continuidad en la nada, Rafael Martínez en su obra bidimensional y en sus esculturas, en sus láminas ondulantes y columnas de colores planos y vibrantes, construye, erige metáforas de vacío; el arte de Martínez es más que un concepto geométrico sensible, es una actitud de constructor de universos, en donde cada forma representada no se confunde con el tiempo de la vida ni con los espacios transitados’’.

Rafael Martinez - LINEAS MOVILES - 1979 - Acrilico Tela Madera Acero - 1.00 x 0.50

Rafael Martínez – LÍNEAS MÓVILES – 1979 – Acrilico Tela Madera Acero 

¿Qué sintió cuando entró a la sala y vio todas las obras de esas cuatro décadas?

RM –  Bueno fue algo muy interesante primero tú tienes la idea de hacer la exposición, de reunir las obras, no tuve tiempo para buscar un curador o museólogo – dije yo mismo voy seleccionar mis obras de los que quiero mostrar también se hizo en conjunto con Esteban Simonetti porque él conoce mi obra de muchos años  incluso se exhibió una obra que él me compró hace 16 años y él me dijo yo quiero que esta obra se exponga y le respondí vamos a exponerla pues.

Mira todas las cosas que se van armando un tejido plástico de vivencias  y de emociones porque uno siente cuando se prepara una exposición de esa envergadura que no es lo mismo que una exposición de obras recientes.

¿Cuándo veremos el libro de Rafael Martínez?

RM- En eso estamos ya llevamos casi un año reuniendo el material tomando las fotografías, los textos, haciendo la selección y averiguando donde se imprimiría el libro. Aún no tenemos el nombre estamos en todas las fases que implica publicar un libro y también hay que ver qué periodo abarcaría de mi trabajo y ver quién escribiría el libro ya llegará el momento de arrancar totalmente con el libro. Considero que es importante tener un libro sobre tu obra.

¿Qué atesora de su maestro Jesús Soto?

RM- Yo fui su asistente son muchas cosas Soto no sólo era el artista con que yo trabajaba en su taller y junto con otros artistas más que trabajamos con él; aparte de eso yo establecí una amistad con él. Uno aprende  mucho de esos maestros, de su forma de vida, como interpretan la vida y como la viven sin que él te diga tiene q ser así no es necesario, uno se fija como la gente vive, como es, ya eso es una enseñanza. Soto siempre nos decía; “no digan por allí que yo soy su maestro”, siempre nos decía eso, “sólo que trabajan conmigo – la gente sabe que yo no doy clases”.

Pero que anécdota recuerda de Soto

RM- Casi todos los veranos me invitaba a su casa en España en Andalucía, yo vivía en París, a veces yo me iba antes que él y me encargaba de comprarle sus vinos, sus frutas, todo lo que a él le gustaba, no era que Soto me decía, a mí me gustaba hacerlo porque él iba con su esposa y sus hijos por más de 20 días. Habían mucho momentos de compartir toda esa parte bohemia, a Soto le gustaba tocar la guitarra y cantar y pasábamos momentos muy agradables.

 ¿Y con el mago del color Cruz –Diez?

RM- Con el mago del color también fui su ayudante, en instalar sus obras por las calles de París y sus cabinas de color, los artistas que trabajan en esta línea cinética constructivista requieren de ayuda de asistentes, de gente que le haga posible realizar las obras, es muy difícil; no es como un pintor de caballete que se encierra en su espacio a pintar sus cuadros y no necesita de nadie alguien que les pinte sus obras.

Soto era serio a diferencia de Carlos Cruz-Diez, que es risa, le gusta contar chistes, es muy divertido y chispeante.

¿Me puede describir ese momento cuando fue condecorado hace poquito en el Teatro Municipal?

RM –Primero es una sorpresa, bueno todos los años hacen estas condecoraciones; en la gestión de Paco Cabrera fui condecorado dos veces. Pero siempre es un honor una distinción que se reconozca tu trabajo, claro uno siente alegría cuando pasan estas cosas. Así cómo se le reconoció a todas esas personas que estuvieron allí muchas de ellas dedicadas al trabajo social y pagadas por ellas mismas, eso es admirable, educadoras, médicos, directores de colegios, profesores jubilados, investigadores, empresarios de diferentes niveles que han dedicado años de su vida a un trabajo y lo importante, que es por Valencia.

Por último el maestro envío un mensaje para estos difíciles tiempos que estamos viviendo

RM- Viendo el panorama de Venezuela en el que todos estamos afectados por lo económico, lo social, lo cultural, la salud, la calidad de vida de los ciudadanos, es una situación muy difícil, yo creo que hay que hacer un gran esfuerzo para imaginar cosas, planificar proyectos porque hay que lidiar con las dificultades que a diario se te presentan.  Lo más importante es no perder el norte que debe tener cada quien para lograr sus objetivos para que tu vida siga fluyendo y sigas trabajando en lo que te gusta. Los artistas somos seres de verdad, que vemos la vida de otra manera y el arte nos llena demasiado, tiene esa cualidad, que nos arropa tanto bien sea en la música, la danza, la pintura, el teatro, la escultura y nos complementa tanto que uno se extrae mucho de las cosas, y eso de extraerte del mundo en que uno vive con todos los conflictos que hay sin duda te beneficia mucho, porque en estos días complicados el arte te hace pensar y te libera.

1 recor tada LINEA TIEMPO MARTINEZ

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«Construyo, como una posibilidad de confirmarme a mi mismo, de encontrar respuestas, de concretar mi propio espacio interior. Trato de equilibrar, de ordenar, de encontrar a través de esas formas insistentes, un lenguaje». Rafael Martínez

@VenptrensaAC – Por: Janeissy Poyer – Fotos: Oswaldo Guerreiro

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