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Exposiciones Nacionales

Víctor Avellaneda y María Teresa Hamon muestran su visión del mundo en D’Museo

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Las propuestas creativas de los artistas venezolanos Víctor Avellaneda y María Teresa Hamon –ganadores del primer y segundo premio del Salón Jóvenes con FIA 2018 respectivamente– conforman la exposición “Dos en contexto”, que fue inagurada en la galería D’Museo del Centro de Arte los Galpones este domingo 4 de agosto de 2019, con la curaduría de Lunes Rodríguez y la museografía de Alberto Asprino.

La muestra, realizada a cuatro manos, refleja experiencias y visiones disímiles del mundo a partir de dos cuerpos de trabajo recurrentes desarrollados por separado, que gravitan en grupo a ideas y conceptos afines como resiliencia, empatía, sensorialidad; pero a la vez, se alejan con sus propuestas estéticas, según se desprende del texto del curador e investigador de artes visuales, Lunes Rodríguez.

El de Víctor Avellaneda se presenta bajo el título Sutura, y de acuerdo al curador, “es la representación no solamente de un ser, de un personaje alienado como producto de una sociedad de consumo, sino que encarna una historia a través de los objetos encontrados, de quiénes los poseen, otorgándole otra vida, utilizándolo de soporte para la acción textil, como leitmotiv de sus más recientes investigaciones”.

Para Lunes Rodríguez, la obra de Avellaneda es la personificación dibujística, pictórica y escultórica que oscila entre la grafía pueril, la gestualidad matérica, la distorsión de las figuras zoomorfas y antropomorfas, como representación simbólica de elementos de un sistema.

En Sutura, “La acción de suturar o coser, permite curar heridas (sociales, políticas, psicológicas, religiosas, entre otras), esboza intrincados esquemas para construir imágenes inquietantes que hurgan sobre el incoherente e inconsciente estilo de vida de la sociedad contemporánea, construyendo su particular lenguaje de imágenes y palabras  relacionadas a un discurso social y antropológico (…) El collage textil, le permite representar la diáspora venezolana y a través de la descontextualización de los materiales -que son suturas de sus heridas-, ser  sanadas y conseguir así la tan ansiada paz”, afirma el curador.

María Teresa Hamon por su parte, expone su propuesta bajo el título Aria, en la cual por medio del poder de representación de la fotografía, “nos propone seguir el rastro hacia una visión íntima y diversa del deseo, permitiéndonos un marco para ver el mundo, a través de los instintos más primigenios del ser humano. Este éxtasis, es el flujo esencial para la apropiación estética de su investigación, las cualidades sensoriales de su propuesta, pueden aparecer, discernirse o, por el contrario, no revelarse”, señala Lunes Rodríguez en el texto que acompaña la muestra.

Según el curador, la forma en que los elementos se conectan influye en la construcción de la narrativa general, permitiendo una comprensión pedagógica diferente, minimalista y limpia, que emana a través de su exploración de la imagen.

“Cada imagen, posee una carga  íntima que enuncia, que dice, que describe y nos pone frente a un espejo sin necesidad de lenguaje verbal. Cada composición, es un alegato sobre el individuo, sobre la diversidad y sobre los géneros, normativas con los que interactúan desde la esfera social y cultural”.

Víctor Avellaneda (Caracas,1981) inició su carrera expositiva en 2009 y desde entonces ha exhibido su obra en salones de arte y exposiciones colectivas e individuales en distintas ciudades del país. Ha recibido diversos reconocimientos, entre los cuales figuran: Mención Honorífica, 33 Salón Municipal de Pintura, Municipio Girardot, Maracay estado Aragua (2013); Segundo Premio X Concurso de Pintura Ejecución Rápida, Departamento de Artes Visuales Universidad de Carabobo (2014); y el Primer Premio del 21º Salón Jóvenes con FIA 2018, que obtuvo por su obra Mapeando la hecatombe; entre otros galardones.

María Teresa Hamon (Caracas, 1981) es fotógrafa autodidacta e independiente, Ingeniero Civil por la Universidad Central de Venezuela y posee una Maestría en Arquitectura de Interiores del Politécnico de Milán, Italia. En el año 2015 presenta su primera exhibición individual, One and One is One, en la Galería Tresy3. Entre los años 2016 y 2017, participa en diversas muestras colectivas y es invitada a formar parte de uno de los proyectos de Terra Gráfica, Residencia Itinerante concebida en el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA), en donde desarrolla su práctica artística mediante la disciplina del grabado. En 2018 obtuvo el Segundo Premio del 21º Salón Jóvenes con FIA, con su obra Il Falso Scopo.

La exposición “Dos en contexto”, de Víctor Avellaneda y María Teresa Hamon estará abierta hasta mediados de septiembre de 2019 en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a sábados, de 11 am a 6 pm, y los domingos de 11 am a 4 pm. La entrada es libre.

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Exposiciones Nacionales

Sebastián Llovera ganó el Salón Jóvenes con FIA 2019

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El artista Sebastián Llovera obtuvo el Primer Premio del 22º Salón Jóvenes con FIA, que se inauguró este sábado 28 de septiembre de 2019 en la Sala Magis del Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza de la UCAB, bajo el concepto Nómadas: habitar un mundo que se transforma, con la curaduría de Humberto Valdivieso y la museografía de Agustin Villasana.

Presentado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA y la UCAB, con el patrocinio de Suelopetrol y D’Museo, el Salón Jóvenes con FIA 2019 reúne las propuestas de 21 artistas emergentes venezolanos en torno al tema del nomadismo y la condición disruptiva de la contemporaneidad, junto a una selección de obras de cuatro artistas en calidad de invitados fuera de concurso.

El Salón en esta ocasión apunta a obras inmersas en los conflictos de un mundo que no para de transformarse, según explica Humberto Valdivieso en su concepto curatorial. A su juicio, lo aleatorio y polivalente dominan el paisaje real-virtual de las últimas dos décadas, y la estructura de la realidad tiende a actualizarse en la dinámica cambiante de las ciudades, en el intercambio infinito de las redes sociales, y en los registros íntimos que elaboran los nómadas contemporáneos en su transitar por el espacio y el tiempo a través de diarios y apuntes personales, libretas de bocetos y colecciones.

El jurado –integrado por Johana Pérez Daza, Lorena Rojas Parma y Dianora Pérez– otorgó el primer premio de esta 22ª edición a Sebastián Llovera por su obra Dispositivos para trayectorias no lineales, una instalación conformada por mapas y cianotipias, cajones de madera y Artivive (App de realidad aumentada)

Nacido en la ciudad de Valera en 1992, y residenciado en Caracas, Sebastián Llovera se interesa principalmente en la impermanencia de los fenómenos (materiales-mentales) y su facultad de fungir como generadores simbólicos. Ha participado en exposiciones en el CICA Museo de Arte Contemporáneo, Corea del Sur; Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Emergente Eve-Maria Zimmermann (BACOS), España; y en el Museo de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá; entre otras.

La obra de la artista Génesis Alayón obtuvo el segundo premio.

El tercer premio fue para el talentoso artista Renzo Rivera.

El segundo premio fue para Génesis Alayón por su obra Patrones de recorrido; y el tercer premio fue para Renzo Rivera por su obra Quit fit, Necesario fit; mientras que las Menciones Honoríficas fueron otorgadas a Eva Agüero por su obra Polímeros en estivación, a Rafael Arteaga por Demotropismo; a Jesús Briceño Reyes por Nomad foot-age; a Gala Garrido por Apuntes sobre el hastío, a Eric Mejicano por El fracaso es huérfano y a Mara Perico por su obra El cuerpo aflora.

La lista de artistas participantes la completan Anghy Rondón, Emilie Jolie, Gabriela García, Isabella Rengifo, Jessica Mezerane, Jhoselyn Angulo, Raúl Herrera, Robinsón Moreno, Sofía Gado, Valeria Delgado, Virgiebelle Gonzales y Yonel Hernández; junto a los artistas Elizabeth Cemborain, Ricardo Arispe, Vasco Szinetar y Víctor Hugo Irazábal, en calidad de invitados.

El 22º Salón Jóvenes con FIA se estará exhibiendo hasta finales de noviembre de 2019 en la Sala Magis de Arte Contemporáneo, del Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza de la Universidad Católica Andrés Bello (Centro Cultural UCAB), ubicado en la avenida Teherán, Montalbán, Parroquia La Vega, Caracas. El horario es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 6:00 p.m. y sábados previa cita. La entrada es libre.

Pueden seguir al Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza de la UCAB, por sus redes sociales: Instagram @ccultural_ucab –  Twitter @CCultural_UCAB – Facebook Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza

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Exposición Nacional,

Impresiones y esculturas de Harry Abend muestran ‘Lo inesperado’ en la Sala Mendoza

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Hasta el 14 de septiembre de 2019

La nueva propuesta creativa del reconocido escultor y arquitecto Harry Abend se presenta actualmente en la Sala Mendoza, con una amplia exposición que combina el desarrollo más reciente de la obra gráfica del artista junto a una muestra de su producción escultórica, bajo la curaduría de Víctor Guédez.

Harry Abend. Lo inesperado es el título de esta exposición que abarca un conjunto de maderas negras presentadas de manera novedosa en un entorno a media luz, así como también, una serie de impresiones que han recibido el nombre de Lo inesperado, en las que se destacan sus intervenciones novedosas de las planchas xilográficas, la incorporación de elementos y recursos inusuales, y la sorpresiva revelación cromática.

“Son ejecuciones inesperadas porque afloran a la manera de una impronta, pero también aquí «lo inesperado» se alinea con los efectos estéticos no previstos que resultan de la ejecución particular de cada una de estas piezas (…)  se trata de planteamientos que revelan una curiosa sinergia plástica y una extraordinaria simbiosis de los distintos estatutos estéticos que lo han acompañado a lo largo de su avezado desenvolvimiento”, según afirma Víctor Guédez en el texto que acompaña la muestra.

De acuerdo al curador, el producto final de las distintas etapas de la reciente producción creativa del artista sugiere una extraña simbiosis de las variadas líneas de su investigación. “En efecto, se encuentran los datos rectilíneos propios de su geometría, también se incorporan las pistas biomórficas, y finalmente, se afianzan las insurgencias azarosas de los recursos rudimentarios. Sin duda, las estampas o impresiones sucesivas aportan y fusionan sus contribuciones según la idea de conjugar derivaciones y de ampliar las vivencias estéticas, todo lo cual se inscribe en el deliberado interés de Abend por integrar, en un solo compendio plástico, el aporte de la talla al soporte primario así como los efectos xilográficos, las siluetas del collage, los registros serigráficos y las resonancias de los ensambles”.

Otra de las innovaciones que resalta Guédez en esta nueva exploración del artista es la incorporación cromática a sus resoluciones. En esta ocasión, “transcribe el dato cromático propio del elemento que sirvió de origen, es decir, el amarillo deviene del trapo que se utilizó para la impresión, así como el rojo procede del cartón que sirvió como elemento serigráfico. Es, sin duda, una incorporación moderada, parcial e incipiente, pero no por ello distanciada de una potencialidad tan imprevista como inesperados son los resultados de cada una de las realizaciones que conforman esta serie».

Cabe destacar, que como complemento de esta exposición, se presenta en la mezzanina de la Sala Mendoza la muestra HA+libro, que da cuenta del devenir bibliográfico de la obra de Abend a través de una selección de catálogos de toda su trayectoria, creados por los más renombrados diseñadores gráficos de nuestro país (Gego, Gerd Leufert, John Lange, Santiago Pol, Álvaro Sotillo, Aixa Díaz, entre otros), culminando con una muestra de la edición del libro Harry Abend, a ser presentado el 12 de septiembre de 2019.

Dichos catálogos –según el texto que acompaña la muestra– además de registrar una obra y documentar eventos, dan cuenta de una historia paralela que pocas veces puede referenciarse a la luz de la bibliografía de un único artista: la del diseño gráfico en Venezuela. “Se trata de seis décadas de tendencias y estilos gráficos cuyos principales hitos hemos querido destacar y homenajear en esta oportunidad”.

Nacido en Polonia en 1937, y residenciado en Venezuela desde 1948, Harry Abend posee una amplia trayectoria artística de seis décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en museos y galerías de Venezuela, Alemania, Francia, Canadá, Inglaterra, Brasil y Estados Unidos. Asimismo ha ejecutado elementos arquitectónicos a gran escala (puertas, muros, techos y fachadas) de edificios importantes como el Teatro Teresa Carreño y de sinagogas como la Unión Israelita de Caracas. También es grabador, dibujante en grafito y xilógrafo.

Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los cuales figuran: Premio Shell para escultura en el Salón D’Empaire, Maracaibo (1964); Premio de la Exposición Kleinplastik, Madurodam, La Haya (1967); Medalla de Oro del Estado de Baviera en la Exposición Internacional del Artesanado, Múnich, Alemania (1968); Orden Francisco de Miranda en Primera Clase y Primer Premio en la V Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez (1990); Premio Nacional de Artes Plásticas (1998); y en 2019 es reconocido por la AICA como “Maestro de las Artes Venezolanas”.

Las muestras Harry Abend. Lo inesperado y HA+libro permanecerán abiertas al público hasta el 14 de septiembre de 2019 en la Sala Mendoza, ubicada en el Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, PB, Universidad Metropolitana, urbanización Terrazas del Ávila, Caracas. El horario es de lunes a sábado de 8:30 am a 5 pm. La entrada es libre.

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Ricardo Arispe, Rafael Arteaga, José Bonilla y Raúl Herrera confrontan su obra en la exposición ¡Sí va!

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Sí va! es el título del nuevo proyecto expositivo que inauguró la Galería D’Museo del Centro de Arte Los Galpones, donde dialogan obras de los artistas Ricardo Arispe, Rafael Arteaga, José Bonilla y Raúl Herrera, bajo la curaduría y museografía de Alberto Asprino.

Influenciado siempre desde la fotografía, a la cual suma diferentes medios, técnicas y soportes, Ricardo Arispe (Barquisimeto, 1980. Reside y trabaja en Caracas) muestra su preocupación por temas como la corrupción, escasez, abuso, violencia y el poder en todas su formas, no exclusivamente desde la visión del oprimido, sino también desde la óptica de quien lo ejerce.

“Como artista he investigado las formas en que nuestra cotidianidad y nuestro entorno político influyen sobre nosotros, no sólo como una vía para el autocuestionamiento, sino como una ventana destinada a sumar esfuerzos a la difícil tarea de entender nuestra situación como sociedad, como colectivo. Me interesa dejar registro de los acontecimientos de nuestro tiempo, utilizando además herramientas y criterios estéticos contemporáneos. Imágenes, libros, publicaciones, galerías digitales, instalaciones, intervenciones, muestras y exhibiciones, quizás son el resultado tangible de mi obra, pero realmente son parte de un todo, son parte de mi operación cultural” afirma Ricardo Arispe.

Rafael Arteaga (Caracas, 1986. Reside y trabaja en Caracas) presenta una serie llamada Re-Cordis, que proviene de un ejercicio pictórico en el cual se entrecruzan una serie de dibujos, collages, fotos de álbumes fotográficos e imágenes preconcebidas de la historia del arte, que al solaparse en la superficie del lienzo comienzan a generar diálogos cargados de terror, incertidumbre o nostalgia.

“Esta serie busca reinterpretar ciertos códigos que habitan en la ciudad de Caracas, el caos, el desorden, la violencia, pero también lo jocoso de lo cotidiano, lo perturbador de sus espacios y lo onírico de su propia descomposición, hacerlo visible desde otra perspectiva, desde la propia memoria, de las imágenes que guardamos y nos hacen conscientes de la ciudad y el problema, el lado oscuro de la cultura tropical (…) Re-Cordis viene del Latín que quiere decir lo que vuelve a pasar por el corazón, y de ahí proviene la palabra ‘recuerdo’.

Por eso esto se convierte en un ejercicio de recordar mediante la superposición de imágenes en la pintura, que permitan generar nuevos diálogos y asociaciones, reconocer o no, ciertas formas de la ciudad, de las tradiciones o sucesos históricos y políticos que han marcado nuestros espacios y nuestras generaciones”, señala Arteaga.

José Bonilla (Caracas, 1982. Reside y trabaja en San Antonio de los Altos) exhibe un conjunto de fotografías que llevan al espectador hacia un viaje que parte de los altos de Ciudad Guayana hacia los tepuyes Roraima y Kukenan, desde cuyas cimas se pueden ver las diferentes formas geológicas que allí se encuentran, que son unas de las más antiguas de la tierra. En su prouesta, el artista explora la tridimensionalidad dentro de la fotografía, tratando de salir del formato clásico de la fotografía para explorar nuevos puntos de vista y nuevas formas de expresión dentro de la misma.

“En las obras se desarrolla la construcción de realidades tridimensionales a partir de planos fotográficos, con una visión que es determinada por relieves geológicos y biológicos encontrados en la fotografía. Al hacer visible lo que un solo plano nos podría ocultar, se desmitifica la fotográfica a partir de su mas pura esencia para resaltar la complejidad espacial que puede resultar de ella, adentrándonos en un mundo de distintas perspectivas y realidades mediante el movimiento del  espectador a través de la instalación, surgiendo así una variable que deriva del instante o sitio desde el cual se observa la obra”, explica el artista.

 

Por su parte, Raúl Herrera (Barinas, 1980. Reside en Barinas y trabaja entre Barinas y Caracas) parte de la imagen de la ciudad, como un espacio heterogéneo de lugares y memorias que, según sus palabras, son de vital importancia en la construcción de lo urbano, para realizar collages pictóricos enmarcados en el discurso referente a la ciudad contemporánea, que abordan el poder visual y narrativo del color, las formas y los diversos diálogos entre lo gráfico y el dibujo.

“Me interesan las formas seriadas donde la superficie influye en nuestra percepción del discurso y el espacio que las contiene. Exploro una gama de formas y disposiciones cromáticas que incorporan las influencias de las aglomeraciones arquitectónicas, reinterpretando así vistas de ciudades y fragmentos de ella”, indica.

La exposición ¡Sí va! se estará presentando durante dos meses, fue inaugurada el 9 de junio de 2019, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a sábado, de 11 am a 6 pm, y los domingos de 11 am a 4 pm. La entrada es libre.

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